L'art de Sarah Sze n'est pas religieux, mais il me rappelle la proximité de Dieu

Il y a cinq ans, j'ai visité la Haus der Kunst, un musée d'art contemporain à Munich, en Allemagne. Mon objectif était une exposition d’œuvres de Kiki Smith (née en 1954), sur laquelle j’avais enseigné dans des cours de théologie et d’art visuel. Cette exposition était au deuxième étage ; j'ai d'abord dû passer par le hall central du musée. Le vaste espace était sombre et, à l’exception des colonnes massives de l’époque nazie, en grande partie vide. J'ai cependant remarqué une petite installation au fond de la salle, légèrement éclairée de l'intérieur.

Je me suis approché. Il s'agissait d'une construction apparemment instable composée de bâtons de bambou, de papier déchiré, de vidéoprojecteurs, de lampes de bureau, de gobelets en plastique et de boîtes de sel, disposées comme un amphithéâtre miniature, projetant des reflets de couleur et des points de lumière blanche vers l'extérieur, à travers la pièce et jusqu'au plafond. . J'en ai fait le tour, séduit par la façon dont il se dispersait et s'accrochait à la fois. J'avais peur de m'approcher trop près, car il semblait si fragile, mais j'avais également du mal à croire avec quelle force il résistait à l'architecture imposante qui l'entourait. Je suis allé à l'exposition Kiki Smith mais je suis revenu à cette étrange petite installation, « Centrifuge » (2017). J'ai quitté le musée en y réfléchissant et je ne me suis pas arrêté. C'est ainsi que s'est déroulée ma première rencontre avec le travail de l'artiste américaine Sarah Sze.

L'art de Sarah Sze, maintenant exposé au musée Guggenheim de New York, m'incite à réfléchir à la façon dont la présence aimante de Dieu bourdonne en arrière-plan de nos vies.

Depuis ce jour d'avril 2018, je me suis renseigné sur l'art de Sze, j'en ai parlé lors de conférences scientifiques et j'en ai enseigné aux étudiants du Collège de la Sainte Croix. Sze est un artiste visuel qui enseigne à l'Université de Columbia. Je trouve dans son travail multimédia, toujours avec sa signature – le rassemblement de fragments disparates de la vie quotidienne dans des compositions visuellement attrayantes et en quelque sorte, dans leur diversité, cohérentes – une source de plaisir visuel, mais aussi une incitation à réfléchir sur la manière dont la grâce de Dieu agit. dans nos vies. L'art de Sze, qui n'est pas religieux, m'incite à réfléchir sur la façon dont la présence aimante de Dieu bourdonne dans le fond de nos vies, comment Dieu nous soutient, comment Dieu rassemble les fragments de nos vies et les assemble, et comment nous coopérons avec la grâce de Dieu. Faire la même chose.

J'étais ravi de découvrir récemment que Sze avait actuellement une exposition au musée Guggenheim de New York (du 31 mars au 5 septembre 2023). J'ai décidé de visiter.

L'exposition s'intitule « Sarah Sze : Timelapse » et est organisée par Hui Kyung An. Il s'étend sur la façade du musée (la nuit, avec des vidéos projetées en rotation traversant l'extérieur arrondi), la rotonde centrale (un pendule suspendu à une corde bleu royal, attachée aux autres, unifiant l'ensemble de l'exposition) et le sixième et septième niveaux du bâtiment. La plupart des œuvres sont neuves, datant de 2023, mais deux œuvres plus anciennes sont exposées : « Untitled (Media Lab) » (1998), qui fut la première des œuvres de Sze à utiliser la vidéo, désormais l'une de ses caractéristiques ; et « Timekeeper » (2016), une installation monumentale qui illustre la lutte de Sze avec le thème du temps.

L'œuvre aux couleurs éblouissantes de Sze brille sur fond de murs austères blanc cassé de Frank Lloyd Wright, et ses constructions méticuleusement articulées complètent agréablement le poids digne du bâtiment. Lors de ma visite, l’espace était en effervescence – au sein des œuvres d’art bien sûr, mais aussi parmi les invités. Le travail de Sze est éminemment photographiable. Puisque nous sommes tous photographes désormais, nous répondons à sa dispersion d’images, qu’il s’agisse de vidéos projetées en mouvement ou d’impressions jet d’encre déchirées sur papier, en créant et en diffusant notre propre enregistrement photographique numérique. Le travail de Sze reflète consciemment le rôle désormais démesuré des images dans nos vies : elles sont partout, ponctuant chaque instant, presque plus proches de nous que nous ne le sommes de nous-mêmes !

En tant que peintre, j’ai été profondément frappé par « Times Zero » (2023). Le collage de peinture au mur est rectangulaire, mais le plan de l'image est dominé par des formes circulaires, comme des ondulations sur l'eau. En effet, les motifs collés incluent une photographie d'eaux calmes au coucher du soleil ; un autre est un archipel et les eaux environnantes à midi ; un autre encore montre des eaux arctiques avec des banquises. La paix de ces images d'eau doucement ondulantes est cependant perturbée par le feu : une grille circulaire s'évase au centre de la cible du tableau ; de la peinture orange coule sur des impressions déchirées ; la lave coule entre des taches bleues. Des images de mains et d'une jeune femme endormie parcourent le reste de l'œuvre. Mais ce n’est pas tout. Ce qui fait le succès de « Times Zero », c’est la façon dont Sze reproduit et disperse l’image peinte. Elle l'a terminé, l'a photographié, a réalisé une impression à grande échelle de haute qualité, a déchiré l'impression et l'a installée comme reflet brisé du tableau sur le socle en dessous. Les spectateurs sont mis au défi de rassembler l'image fracturée avec leur imagination et ainsi de contribuer à l'œuvre. Brillant.